Enquanto o Mês da História Negra surge sobre Detroit, God Said Give ’Em Drum Machines não apenas retorna, ele ascende como a prova de que uma história outrora negligenciada capturou a atenção do mundo e se recusa a ser esquecida. O que começou como uma visão de Detroit ferozmente independente cresceu e se tornou um filme celebrado e amplamente abraçado, tirando os arquitetos negros do techno da cidade dos créditos de fundo e colocando-os em seu lugar de direito na fundação do gênero.
Conheci o diretor Kristian Hill na estreia no Michigan Science Center em maio de 2023, e em nossa conversa ficou instantaneamente claro que ele carregava uma missão — construir um registro que as gerações futuras não pudessem ignorar, revisar ou roubar. Agora, três anos depois, enquanto este documentário histórico surgiu em plataformas de streaming e, no dia 4 de fevereiro, pode ser assistido globalmente e sem comerciais em detroittechnomovie.com, Hill e Juliette Latona sentaram para conversar sobre como este filme não está apenas corrigindo o passado, mas solidificando ativamente a história da música para as próximas décadas — um testemunho de que, desta vez, a história nunca poderá ser reescrita.
Juliette Latona (DJ SOUND): Você descreveu usar muitos chapéus como cineasta independente — diretor, produtor, roteirista, editor, diretor de fotografia, pesquisador. Quais foram os maiores desafios práticos que você enfrentou na criação de GSGEDM e como você os superou?
KRISTIAN HILL: Sabe, as pessoas veem a linha do tempo de 12 anos e presumem que o atraso foi apenas por falta de dinheiro, mas o maior obstáculo foi, na verdade, a confiança. A comunidade da dance music de Detroit é incrivelmente protetora, e com razão, eles já foram queimados antes. Quando Jennifer e eu começamos, éramos “não comprovados”. Enfrentamos muito ceticismo. Para superar isso, eu não podia apenas pedir acesso; eu tive que conquistá-lo. Comecei a fazer o que chamei de “microfilmes” , documentários curtos sobre figuras como Al Ester, Delano Smith e o festival anual Movement. Foi uma estratégia de “suor e dedicação”. Esses não eram apenas projetos paralelos; eram nossa prova de conceito. Eles mostraram à comunidade que não estávamos apenas extraindo histórias, mas que tínhamos a habilidade de tratar o legado deles com o respeito visual que mereciam. Esse trabalho foi o que eventualmente abriu as portas para os temas mais protegidos.
A realidade financeira era um peso constante e esmagador. Fomos um trabalho de amor autofinanciado durante a maior parte daquela década. Fizemos de tudo, desde vender camisetas até realizar uma campanha no Kickstarter que finalmente arrecadou 40 mil dólares. Mas, como editor, a falta de orçamento na verdade ditou a estética do filme. Filmagens de arquivo são proibitivamente caras. Licenciar apenas um minuto do programa de dança local The Scene custava milhares de dólares. Esse preço me forçou a ser criativo. Tive que “esticar” filmagens, fazer loops de visuais ou filmar b-rolls abstratos para preencher lacunas simplesmente porque não podíamos pagar para deixar a fita histórica rodar.
Também houve um momento em que o projeto quase morreu nas ruas de Detroit. Tive meu equipamento de câmera e cartões de mídia roubados — backups de áudio insubstituíveis se foram. Foi de partir o coração. Mas, estranhamente, essa tragédia se tornou um ponto de virada. Fui à televisão falar sobre o roubo e o conceito de “turismo techno”, e a narrativa mudou. A cidade se uniu em torno de nós. Passamos de forasteiros a pessoas que estavam sofrendo pela história da cidade. Paradoxalmente, perder aquele equipamento nos ajudou a conquistar o coração da comunidade. Mesmo na reta final, enfrentamos ameaças existenciais. A pandemia atingiu bem no momento em que tínhamos financiamento alinhado, e o dinheiro desapareceu. Mas usamos aquele bloqueio para conseguir as entrevistas virtuais — como Richie Hawtin e Normski — que não conseguíamos antes
Juliette Latona (DJ SOUND): O filme cobre uma rica tapeçaria de pioneiros (Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson, etc.) e forças históricas mais amplas. Como você decidiu quais vozes centralizar e qual foi sua abordagem para tecer as histórias pessoais deles na linha do tempo maior do nascimento do techno?
KRISTIAN HILL: Encontrar o foco certo para um documentário é sempre uma jornada, mas para nós, por volta do final de 2015 e início de 2016, a visão realmente se cristalizou em torno de um artefato específico: aquela foto de capa da Record Mirror de 1988 feita por Normski. Ela nos permitiu elevar Eddie Fowlkes, Blake Baxter e Santonio Echols e outros ao lado do “The Belleville Three”. Enquanto Juan, Derrick e Kevin tinham legados estabelecidos, os outros homens ainda lutavam por suas posições na história, e sentimos a responsabilidade de corrigir esse registro. Inicialmente tentamos contar uma história muito mais ampla com inúmeras figuras, mas, como equipe, percebemos que, para sermos eficazes, precisávamos de um foco mais estreito.
Não estávamos interessados em fazer um “currículo com trilha sonora” ou uma recitação seca de fatos; queríamos contar uma história humana. Mesmo que houvesse debates na sala de edição sobre o corte de filmagens dramáticas e tramas emocionais, eu me apoiei no conselho do falecido Mike Huckaby, que me disse para “manter aquela coisa emocional no filme”. Ele estava certo, esse coração é o que conecta o público à história. Também tenho que dar crédito às pessoas ao meu redor por ajudarem a refinar minha própria perspectiva. No início, eu olhava para a história através da minha própria lente e perdi o papel crítico da subcultura gay de Detroit. Foi a persistência de sujeitos como Delano Smith e Al Ester que me ajudou a ver que não poderíamos entender totalmente essa música sem reconhecer Ken Collier e a cena de clubes gays.
Para tecer essas histórias pessoais na linha do tempo maior, sentimos que era necessário voltar mais longe do que apenas os anos 80. Percebemos que não poderíamos explicar o “como” do techno sem o “porquê”. Tivemos que explorar a Grande Migração, a indústria automobilística e o declínio econômico de Detroit para mostrar que essa música não era apenas um gênero, era uma resposta para a sobrevivência. No final das contas, vejo nosso trabalho como algo semelhante à arqueologia. Estávamos tentando restaurar “artefatos egípcios” onde os rostos haviam sido apagados pelo tempo. Nosso objetivo era colocar os rostos de volta nas Esfinges da história do techno. É por isso que as filmagens de arquivo do The Scene foram tão vitais, não eram apenas pano de fundo; eram a evidência da energia e da cultura da Detroit adolescente, e nos permitiram restaurar a humanidade à história
Juliette Latona (DJ SOUND): O filme inclui filmagens da África do Sul e de outros locais internacionais. O que esse alcance global diz sobre o impacto do techno de Detroit e por que foi importante mostrar essa conexão mundial?
KRISTIAN HILL: Nós chamamos isso de dinâmica das “Figuras Escondidas”. É a tensão central do filme: ver a disparidade gritante entre esses caras sendo “pessoas comuns” em casa e divindades absolutas no exterior. Lembro-me de estar em um estádio em Kyoto, no Japão, com Derrick May. Havia milhares de pessoas gritando, e a palavra “DETROIT” piscava naquele placar enorme. Esse foi um momento de percepção para mim. Olhei para aquilo e pensei: Nós criamos uma indústria global que é virtualmente invisível para as pessoas que vivem bem dentro dela. Foi o mesmo em Nizhny Novgorod, na Rússia, conhecendo um garoto chamado Dmitri que sabia mais sobre b-sides obscuros de Detroit do que pessoas no próprio lado leste de Detroit. Ou pousar em Amsterdã e ver camisetas do “Underground Resistance” em todos os lugares. Mostrar esse alcance global não era apenas para se gabar; era sobre corrigir o registro. Como a música era instrumental, ela cruzava fronteiras facilmente, tornou-se a trilha sonora para a queda do Muro de Berlim e para mudanças culturais na Europa. Mas essa universalidade permitiu que as origens fossem apagadas. Os rostos negros foram removidos da história. Ao nos tornarmos globais, queríamos mostrar a escala desse “sucesso mal gerido”. Esta é uma indústria de bilhões de dólares e, ao conectar Detroit a esses centros internacionais, estamos exigindo que o crédito, cultural e financeiro, retorne à fonte.
Juliette Latona (DJ SOUND): Você disse: “Eu sou um cineasta”. Não existe plano B”. O que vem a seguir para você? Existem mais projetos de documentários musicais no caminho ou você tem outros planos criativos fermentando?**
KRISTIAN HILL: Quando digo “sem plano B”, estou falando de uma devoção que vai mais fundo do que um caminho de carreira. Eu me vejo como um arqueólogo em pé nas ruínas de uma história que quase foi apagada. Estamos encontrando esses “artefatos egípcios” onde os rostos foram destruídos pelo tempo e pelo preconceito, e meu trabalho não é apenas filmar; é colocar os rostos de volta nas Esfinges. God Said Give ’Em Drum Machines é apenas a primeira escavação. Já estamos mapeando as próximas expedições — Parte 2 e Parte 3. O primeiro filme foi a descoberta; os próximos capítulos são sobre o império. Precisamos explorar como essa forma de arte se solidificou em um negócio, e precisamos lançar uma luz sobre as mulheres que carregaram o ritmo quando o mundo não estava olhando.
Além da tela, estamos sentados em uma montanha de memória, 12 anos de filmagens que estamos transformando em um santuário baseado em nuvem para acadêmicos e sonhadores. Queremos garantir que, muito depois de partirmos, as vozes desses pioneiros ainda ecoem nos corredores da história. Estamos fundamentados na correria, sim, ainda estamos pagando o preço de admissão pelo primeiro filme, mas sou alimentado por um otimismo feroz. Estamos restaurando o passado para financiar os sonhos de amanhã, garantindo que a batida de Detroit nunca desapareça.
Juliette Latona (DJ SOUND): Se você pudesse resumir a mensagem central de God Said Give ‘Em Drum Machines em uma frase, qual seria?
KRISTIAN HILL: Em sua essência, este filme é uma carta de amor a Detroit e uma exigência de justiça cultural. Ele serve como uma correção para uma narrativa quebrada, finalmente colocando os rostos de volta nos arquitetos negros do techno que foram invisibilizados pela própria indústria que criaram.
Nota do Autor (Juliette Latona | DJ SOUND) : Em uma cidade que deu tanto ao mundo e recebeu tão pouco crédito, God Said Give ’Em Drum Machines se destaca tanto como uma carta de amor quanto como um marco definitivo. Sentada com Kristian Hill, ouvindo a convicção por trás de sua missão e o cuidado que ele dedica aos originadores de Detroit, lembro-me de que o gênio negro sempre foi o motor, independentemente de a história ter escolhido reconhecê-lo ou não. À medida que este filme alcança mais telas, mais corações e mais jovens criadores ao redor do mundo, minha esperança é que ele não apenas informe, mas incendeie: um respeito mais profundo por Detroit, uma defesa mais barulhenta da autoria cultural negra e uma compreensão inabalável de que as raízes do techno não estão em debate. A história foi agora contada em detalhes coloridos, e daqui para frente, o mundo não tem desculpa para não acertar. Obrigado ao diretor Kristian R. Hill por dedicar seu tempo para compartilhar esses insights fascinantes com a DJ Sound.
Assista:
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Créditos especiais: Moses Mitchell Photography.
Sobre a Autora e Colaboradora DJ Sound “Juliette Latona”
Juliette Latona é a fundadora do Latona Expansion Group, uma empresa sediada em Detroit especializada em gestão estratégica de artistas e selos, desenvolvimento de marca, agenciamento internacional (booking), expansão digital, relações públicas (PR) e curadoria de eventos. Ela representa pioneiros icônicos do techno, hip hop, Jazz e house, colocando-os em palcos por todo o mundo. Sendo em partes iguais uma arquiteta da indústria e historiadora cultural, Latona também atua como colaboradora jornalista para a DJ Sound Brasil em Detroit em parceria com Jeferson Ciarvi (Human Robot) , documentando as lendas que construíram o som. Além dos negócios, sua missão está enraizada no desenvolvimento comunitário, na preservação da história e na consciência cultural , desmantelando barreiras de gênero e geografia para amplificar o legado sonoro de Detroit mundialmente. Operando sob sua filosofia “Optimize to Maximize” (Otimizar para Maximizar), ela se destaca como uma guardiã incansável que une o passado histórico da cidade ao seu futuro sem limites.[1][2][3][4]
Fontes:
[1] Latona Expansion Group is a Detroit-based strategic management … https://www.facebook.com/groups/285509011509848/posts/25756703573963708/
[2] Derrick May | Okeechobee Music & Arts Festival – Enter the Portal https://www.okeechobeefest.com/artists/derrick-may
[4] (@latona_expansion_group) • Instagram photos and videos https://www.instagram.com/latona_expansion_group/?hl=en
Colaboração Jeferson Ciarvi (Human Robot)
collab by Juliette Latona (DJ Sound | Detroit) | Fotografia [ Photography] por Moses Mitchell